15 Mayo, 2017 jaime

Queda na casa. Cámara y luz

Merca no teu barrio, queda na casa (Compra en tu barrio, queda en casa) es una pequeña publi para cines e internet para fomentar el comercio de calle en A Coruña, dirigida por Juan Galiñanes y producida por LadyBug (Angel de la Cruz). Yo hice la dirección de fotografía, y a continuación os detallo como fue el trabajo a nivel de cámara y luz.

El Concepto

Las premisas de la campaña eran publicitar el comercio de calle con una imagen cálida y acogedora y trasmitir que en los comercios de tu barrio se está como en casa.

Para esto se ideó un esquema en el que la cámara empieza sobre una escena familiar cotidiana que parece que está ocurriendo en una casa, a continuación el plano se abre y lo que vemos es que esa escena está ocurriendo en el interior de un comercio, trasmitiendo así esa idea de que estar en el comercio de calle es como estar en casa. Delante de la cámara, los miembros de una familia que van apareciendo en las distintas localizaciones representando esas escenas cotidianas.

Foto fija

En un principio se pensó en hacer en cada localización el recorrido entero desde el plano concreto al abierto con la steady, pero para que en el corto no se delatase que estamos en un comercio, el plano tenía que ser bastante concreto, y al contrario, para que al final del recorrido de la steady se viese que estamos en un comercio, había que abrir bastante el plano, lo que daba como resultado movimientos de cámara muy largos con lo que en una publi que dura unos 40″ solo se podrían montar un par de localizaciones. Entonces se decidió que solo rodaríamos y montaríamos lo que sería el principio y final de esos movimientos largos, a si que en cada localización se grabaron dos movimientos “out”, uno que arranca en nuestra familia y otro que acaba de ver que estamos en un comercio. Finalmente hicimos los movimientos con la steady ya que era la idea inicial y por si queríamos prolongar de más algún movimiento, pero tal y como fue también podíamos haberlo hecho con un slider perfectamente y creo que los movimientos hubiesen quedado más precisos.

Foto fija

La cámara

La cámara fue una Sony FS5, la elección vino por la capacidad de esta cámara de hacer alta velocidad, porque al principio también se barajó la idea de que los movimientos fuesen ralentizados para darle a la imagen una textura más amable, pero con la imagen ralentizada se necesitaban más tiempo para ver el mismo movimiento de cámara, y con la duración final del spot, no daría tiempo a meter todas las escenas. Finalmente se rodó a 24P que era el frame rate que nos pedía el cliente.

En cuanto a la configuración de imagen usé la gamma S-Log 3 y ahora puedo afirmar que es totalmente mentira la latitud que promete Sony con esta curva, . Basicamente lo resumo en que con esta curva la cámara trabaja a 3200 ISO generando un ruído tremendo, muy notable en las zonas oscuras. Las recomendaciones de Sony para exponer esta curva son Gris Medio:41% Blanco 90: 61% Piel: 50% son una locura. Esos niveles están pensados para ganar mucha latitud en las altas ya que si se expone así, el grueso de la señal va a quedar de la mitad para abajo y por tanto va a quedar mucho sitio por arriba para capturar con textura las altas luces. Pero exponiendo así, con la señal tan tirada hacia abajo, cuando se reconstruye la imagen en post, sólo vamos a sacar ruído por todas partes a causa del ISO excesivamente alto con el que trabaja la cámara. Es posible que esta curva funcione mejor sacando la señal en RAW a un grabador externo, pero con el procesado que hace la cámara no va nada bien. Normalmente sobrexpongo este tipo de curvas porque realmente son pocas las veces en las que necesitamos tanta latitud, o sea, la sobrexpongo tirandola más hacia arriba de lo que recomienda Sony con la idea de que no haya que levantar todo el rato la mayor parte de la señal al etalonar, pero aun así, la ganancia que usa la cámara para trabajar con esta gamma es demasiado, para nada es la sensibilidad nominal del sensor (aquella en la que la relación señal ruído es óptima) si no que más bien está bastante por arriba. De nada sirve que de esta forma capture teoricamente muchísimos tonos si luego resulta que no se pueden rescatar decentemente los que están del gris medio hacia abajo por culpa del ruído. Además trabajar con la señal por arriba en set, es incómodo en el aspecto que no te puedes fiar del LUT de referencia que trae la cámara ya que viene para trabajar precisamente con los niveles recomendados por Sony.

Creo que hay que dejar estas curvas Log, o para trabajar en RAW, o para las cámaras de verdad, las Arri, las Red… en las que si se le puede sacar partido a una señal tan comprimida y con tanta latitud, aunque sea sobre archivos codificados. Para trabajar con cámaras y codecs más sencillos lo mejor son las curvas tipo Hypergammas (o WD Range en Canon) en las que la señal tiene más opciones que con las curvas estándar, pero que tan solo necesitan pequeños procesos en post para quedar perfectas.

Por lo demás la FS5 es una cámara que me gusta en muchos aspectos. En breve sacaré otra entrada en el blog hablando de ella más en extenso después de haberla usado ya en trabajos tan distintos como la publicidad o el reporterismo.

Usamos tres ópticas Samyang montura EF: 24, 35, y 50 con un adaptador Metabones de montura EF a montura E. Las ópticas son muy sencillitas  pero más cómodas que unas de fotos para usar con el remoto de foco (usamos mi  Cinegears por la steady) porque tienen ya los dientes en el aro del foco, además de que el iris es continuo. De f4 en adelante dan bastante bien, pero si el f se abre por encima de ese valor se ven aberraciones por todas partes. Normal en unas ópticas de este precio por otra parte.

Óptica Samyang con el adaptador Metabones

Aunque en estos trabajos pequeños suelo llevar un mini monitor para visualizar por agilidad (uno de 7″ generalmente) en este caso llevamos una tele Full HD de 27” (creo) con entrada HDMI porque como el trabajo va para cines, me pareció especialmente importante chequear el foco de cada toma a un tamaño razonable.

La luz

El equipamiento de luz consistió en 1 Arri M18, 2 Velvets2, 5 dinkys, 3 Dedolights, y 2 Kino, además de los trípodes, pinzas, sargentos, filtros, etc.

Todo aparatos que se pueden enchufar en las propias localizaciones sin llevar generador, que se pueden mover entre dos eléctricos, y que no hace falta un transporte muy grande para transladarlos. Todas estas, condiciones clave en una producción de bajo coste.

M18 y Velvet 2 en el exterior de tienda de muebles

Al localizar, fijamos la posición de cámara, la focal, y el movimiento, lo que es básico para plantear la luz de antemano y así ajustar la lista de iluminación. Me gusta hacer previamente esquemas detallados de como voy a iluminar cada set (más abajo hay dos escaneados) para pedir exactamente la luz que voy a necesitar y visualizar los soportes de luz que necesito (si son cosas que van en trípode o en techo). Estos esquemas me dan una base de la que partir sobre todo porque puede pasar que ese día estés a muchas cosas (a la cámara, a la steady, a los tiempos…) y llegues a estar saturado y con la creatividad mermada, y así al menos llevo clara una idea de lo que hacer . En esos esquemas siempre anoto también algún parámetro en particular de la cámara, sobre todo la temperatura de color, porque eso juega mucho para saber como filtrar o configurar el color de las luces.

Todas las localizaciones fueron comercios reales. La característica común a casi todos era la mala calidad de luz artificial propia de los locales, ya que ahora en todos los sitios encontramos leds, bajo consumo, o fluorescentes, todos con IRC (Indice de Reproducción Cromática, que mide la calidad de la luz) bajos y por tanto con dominantes fuertes, y eso sumado a que siempre había entrada de luz natural del exterior. Cuando tienes que iluminar con poca cosa, siempre hay tentaciones de apoyarse en la luz propia de los sitios al menos como relleno o ambiente. En ocasiones que solo grabo con la luz propia de una espacio, lo que hago es balancear el blanco en cámara y por lo menos llevas una imagen a montaje libre de grandes dominantes, pero cuando esa luz no es suficiente por cantidad, o porque quieres mejorarla, o simplemente porque juega mezclada con la luz del día, entonces viene el dilema de si apagarla e iluminar con tus propios medios desde cero, si filtrarla, o si filtrar tu luz para adaptarla a la del sitio.

Librería

Hablando de este tema una excepción fue la tienda de colchones, el primer set que se ve en el anuncio, En este caso en el tiro de cámara se veía mucho techo y por tanto todos los fluorescentes, pero la suerte es que creo que dimos con la única tienda en el mundo en la que todos los fluorescentes eran del mismo tipo, y con una calidad cromática bastante buena, a si que ahí sí que aproveché esas luces y le sumé las mias sin ninguna corrección de dominantes.

Sin embargo, en el set del ultramarinos tuve problemas en etalonaje porque aproveché unas luces propias, sin filtrarlas, junto con mis luces y aunque las luces del local no tenían mucha dominante, sí me complicaron la corrección de color. Ese espacio era muy grande y mis luces no llegaban para iluminarlo todo, de ahí la decisión de apoyarme en las luces propias, que no es mala solución siempre que se puedan filtrar para corregir las dominantes. El problema real, es que el filtraje de dominantes es algo tedioso y lento, y cuando no te sobra el tiempo, al final hay que elegir…

Esquema de luz previo para iluminar ultramarinos

La iluminación más distinta de todas es la del restaurante, el que está al final del anuncio, porque es iluminación noche con luces puntuales. Ese tipo de luces son las que más me gusta hacer, las que se juega con puntos de luz. A poco que te lo curres quedan muy esteticas. Pero lo malo que tienen es que requieren de mucho aparato pequeño, bien recortado, y escondido (ya sea colgado en techo, o descolgados con cefes o pértiga ligera) con lo cual lleva su tiempo hacerlas.

Esquema de luz previo para iluminar restaurante

El equipo

Para llevar a cabo el rodaje, me rodeé de mi equipo habitual: Ledi Bellón de ayudante, Juan Ramil de gafer, y Pablo Diaz de eléctrico. Un equipo proporcionado para una producción pequeña en la que trabajar con gente que ya te conoce y sabe lo que quieres, es si cabe más importante que cuando estás haciendo una gran producción y te puedes rodear de mucha gente. Normalmente cuando llevo yo la cámara, suelo hacer yo el foco, pero en este caso al ir la cámara sobre el steady, el foco lo llevó Ledi con mi remoto Cinegears. El etalonaje, corrió a cargo de Bruno Currás, una persona a la que tuve el placer de conocer hace poco pero que ya está trabajando conmigo en varios proyectos porque nos entendemos muy bien.

Angel de la Cruz, Juan Galiñanes, y yo, viendo una referencia

La dirección corrió a cargo de Juan Galiñanes, con el que ya había trabajado en el spot para peluquerías Loida “Así eres, así somos”. Los trabajos de Juan nunca quedan indiferentes porque se vuelca al máximo con cada proyecto aunque sea pequeño y eso se nota en el resultado. Pone mucha atención en los actores y te deja trabajar comodamente en lo técnico, lo cual se agradece mucho. Además como controla mucho de montaje, sabe bien los tiempos que necesita de cada cosa lo cual supone un gran optimización en el set.

El spot lo produjo Lady Bug (Angel de la Cruz) para el Concello de A Coruña, y la jefatura de producción corrió a cargo de Miriam Devesa.

Las fotos de este artículo son de Amanda Ortega, foto fija del spot.

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